参考消息网4月28日报道（记者 黄莹莹） 本届北京国际电影节期间，短片单元评委、演员兼制片人梁静在郎园接受了《参考消息》的独家专访。谈及本届入围短片作品，梁静指出一个令她欣喜的创作趋势：年轻导演正褪去浮躁，以沉稳姿态回归电影本质。面对短视频冲击与AI技术挑战，梁静坦言“心态矛盾”，她呼吁创作者在变革中坚守真诚。她还透露，即将于暑期档上映的电影《东极岛》，将通过前沿技术给观众带来不同于以往的感官体验。
梁静
“把电影拍得像电影”
《参考消息》：作为本届北影节短片单元的评委，您如何定义一部优秀的短片？您最看重哪些核心要素？
梁静：短片就是电影的雏形，所以我会以电影的标准来评判短片的优劣。一部优秀的短片必须具有三个核心要素：艺术性、思想性和创新性。此外，在当下碎片化时代，观众的观影习惯已发生改变，因此情感浓度和叙事节奏对短片也非常重要。
Q：今年的入围短片中，有没有让您印象深刻或颠覆想象的作品？
A：很遗憾，今年没有太多颠覆我们想象的作品，但有几部作品比较令人惊喜，它们回归了传统叙事，结构非常工整，在视听设计上、镜头语言、表演和情感表达上都相当扎实。这几部短片的导演都是20多岁的年轻人，这也体现出年轻创作者们心态愈发沉稳，不再那么浮躁。
获得最佳摄影奖的短片，导演以年轻人特有的视角讲述了一段未成年人的故事，叙事视角很新颖。而且导演是摄影系毕业，镜头语言富有创意，给评委留下深刻印象。在如今有些导演拍电影就像记流水账的环境下，能把电影拍得像电影，能真正运用电影语言展现作者性是非常难得的。
Q：您如何看待短视频对传统短片创作生态的影响？是挑战还是机遇？
A：我们首先要明确短视频和短片的区别。短片是电影的一个种类，是致力于展现高艺术性、传递审美价值观以及作者表达的作品；而短视频主要是信息采集与传递的工具，两者的创作目的和艺术追求完全不同。
短视频的兴起确实改变了人们的观影习惯，很多人越来越不愿意花时间去思考电影中的隐喻或镜头语言，而是更喜欢直接获取信息。这对传统短片和长片来说都是一种挑战。但另一方面，在这个碎片化时代，短片也可能迎来新的机会。因为它比长片更符合现代人的观看节奏，同时又比短视频更具艺术深度。本届入围作品中就有一些导演在尝试短片的商业化路径，且技法成熟，这或许是一个值得探索的方向。
Q：您对年轻导演有什么建议？
A：我认为讲故事的能力和叙事节奏至关重要，同时也要注重提升短片的艺术性和作者性。我建议年轻导演在起步阶段一定要坚持个人风格。只有打好基础，形成独特风格，才有可能稳步发展。导演还要具备持续观察社会、思考人生和探究人性的能力，否则很难创作出具有深度、能够流传的作品。另外，为人处世也很关键，只有赢得团队成员的尊重和信任，才能更好地开展创作工作。在当前变化迅速的市场环境下，创作者需要保持对专业的尊重，怀揣勇气和才华投身电影行业。
4月20日，梁静（右二）出席第十五届北京国际电影节短单元终审评委亮相媒体见面会。（视觉中国）
“很多事能不能做好，关键在于能力而非性别”
Q：您会特别关注女性视角的作品吗？
A：我会关注。这次获奖的短片《智齿》，导演是男性，但影片是女性视角，我就很喜欢。我想强调的是，很多事能不能做好，关键在于能力而非性别。男导演可以拍好女性视角的作品，女导演也可以拍好男性视角的作品。
Q：您作为一名女演员和女性制片人，在职业生涯过程中有什么困难吗？
A：我跟很多女演员一样，都在中年时期面临职业困境。我之所以做幕后，就是因为没有戏演了。女演员到了一定的岁数后，就会被边缘化，这是市场的选择，你只能无奈地走到一边，然后等待一两个还不错的中年女性角色。但我不想一直被动等待，所以我开始做幕后、做制片人。制片人这个工作需要很理性的思维，跟搞艺术创作是完全不同的，所以我也有一段非常艰难的“转型”过程。
但很多困难的解决离不开男性。比如说《金刚川》，从剧本一个字都没有到上映，一共只用了3个月。管虎导演仅构思了一晚上，第二天一早就提交了400字大纲，当天下午制片部门就去丹东勘景了。与此同时，管虎、郭帆和路阳这三位导演开始一起讨论剧本，一个星期完成剧本，统一筹备后各自分头开拍。这种极限操作考验的是整个团队的协作能力，而不是性别。虽然我是一个女性制片人，但我们的团队中百分之八十都是男性，没有他们，我无法完成《八佰》《金刚川》这样的影片。
2024年5月16日，梁静（前右）和管虎导演（前左）出席第77届戛纳国际电影节主竞赛单元影片《大都会》的首映礼。（新华社）
《东极岛》将给观众带来全新感官体验
Q：作为一名制片人，您更看重作品的作者性还是市场性？
A：作为创作者，我当然希望一部作品能坚持自我、有个性、有特色，但一部作品要走向市场，往往需要做出一些妥协。比如电影上映前的试映环节，面对观众的意见，创作者是坚持自我表达，还是顺应观众意见进行修改，这是个艰难的抉择。在我看来，对于市场化的商业片，我会根据观众的反馈和数据做一些适当的调整，但要注意分寸和尺度，不能完全被市场“带节奏”导致作品失去自身风格；对于艺术片来说，我希望它是极致的，是坚持到底的，不能是摇摆不定的。事实上，无论是商业片还是艺术片，风格化都是必要的。最怕的是既想要艺术表达，又想要商业成功，结果两头不讨好。
关于影片后期剪辑与内容上的改动，我想到了一个问题，那就是真人电影和动画电影的区别，动画电影只要建好模之后，它的修改、甚至是多次修改，都是相对容易实现的，但真人电影就很难，因为关系到重新召集工作人员、演员的时间是否能配合，甚至重新搭建场景，难度很大。这就要求导演和团队在最初的创作判断上做到精准，并始终坚持原有创作理念，不轻易被市场左右。但在现实中，很多创作者会面临各方面反馈带来的修改压力，这确实是个难题。
Q：您如何看待AI、VR等新技术对影片创作的影响？是否鼓励创作者大胆尝试？
A：对于新技术，我的心态很矛盾。比如我们刚刚拍完的《东极岛》，这部电影的海面拍摄难度很大，如果采用全实景拍摄，会非常危险，所以我们只能退而求其次，到水棚拍摄。但是水棚又难以营造出真实的海浪质感，所以大量的镜头需要通过特效去完成。相对于特效来说，AI的成本会低很多，但目前AI技术分辨率不够，达不到在大银幕上呈现的要求。如果AI技术能更加成熟，就能节省大量时间和费用，作为制片人，我很期待AI技术能快速发展。
但另一方面，当我们真的有了这样的AI技术后，会不会出现其他问题？灯光、布景，甚至是编剧和演员等岗位是否会被取代？对于资方来说，新技术可能带来更大利润空间，但对整个电影行业而言，或许会产生致命影响。虽然很难预测未来电影技术的发展走向，但我们必须积极拥抱新技术，顺应时代潮流，同时也要把握好分寸，避免过度依赖或妥协。
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